Proyección ortogonal, Isometrica y Oblicua

     La proyección ortogonal abarcará los diversos trazos y normas para una buena representación en el sistema ortogonal. El conocimiento de las proyecciones, tanto ortogonales como oblicuas y cónicas son de importancia, porque al dominarlas perfectamente se poseerá una base sólida para una comprensión mejor de la geometría descriptiva. También, los diversos tipos de proyecciones como la del punto en el espacio y sus diversas posiciones con sus respectivos ejercicios, la proyección de la recta y sus diversas posiciones con las actividades que ayudan a comprender mejor la proyección. El rebatimiento de los planos trata sobre la rotación de los planos sobre sus ejes de forma tal que coincidan en un plano único el cual ayuda a representar fácilmente las vistas principales de un modelo sin que sufra deformaciones ópticas


      La perspectiva isométrica es una técnica de proyección de objetos sobre el plano del papel, empleando un sistema de tres ejes coordenados ortogonales que se proyectan sobre el plano formando dos ángulos de 60º y uno de 240º.

      Una de las grandes ventajas del dibujo isométrico es que se puede realizar el dibujo de cualquier modelo sin utilizar ninguna escala especial, ya que as lineas paralelas a los ejes se toman en su verdadera magnitud. Así por ejemplo, el cubo cuando lo dibujamos en forma isométrica que da con todas sus aristas de igual medida




     La proyección oblicua es un Método de proyección por el que un objeto tridimensional se representa mediante la proyección de líneas paralelas formando un ángulo con el plano del cuadro distinto de 90° por tener una de sus caras principales paralela al plano del cuadro.

     Oblicuo es un Sistema de proyección por el que un objeto tridimensional se representa mediante un dibujo en perspectiva en el que las caras paralelas al plano del cuadro están dibujadas a escala real y todas las líneas perpendiculares al plano del cuadro tienen una inclinación cualquiera distinta de 90°, a menudo inferior para compensar el aspecto distorsionado. También llamada perspectiva oblicua.

Importancia del Dibujo Técnico

     Así como en el mundo de la ciencia, para poder arribar a una Conclusión es necesaria la formulación de una Hipótesis y posteriormente la utilización de un Método Científico específico, para la realización de nuevos proyectos en materia de Construcción y Planificación, es necesario contar con una correcta planificación que se realiza desde el lápiz y papel, la base de toda creación.


     La técnica que debe utilizarse para poder realizar la piedra fundamental de las futuras creaciones es el Dibujo Técnico, siendo una técnica que se aleja bastante de lo artístico, sino que busca dar Precisión en Mediciones, permitiendo sobre todo una muy alta calidad en el Diseño de Objetos, siendo utilizado inclusive para poder realizar una descripción de los mismos cuando ya han sido realizados.

     La forma más común y más conocida de esta técnica la encontramos en los Planos Arquitectónicos, donde se utiliza además de un escritor como puede ser un Lápiz o Bolígrafo la ayuda de otras herramientas tales como Escalímetro, Compás, Regla y Transporte, entre otros, siendo aplicada además una escala para poder realizar un Plano en Escala, donde cada centímetro escrito en el papel tiene una dimensión real de, por ejemplo, 100 centímetros (en el caso de la Escala 1:100)


     También podemos encontrar el dibujo técnico aplicado en la realización de Diseños de Motores, teniendo precisión a la hora de efectuar la Distribución Mecánica, el diseño de las distintas piezas que formarán parte de un mecanismo y hasta contamos con la ayuda de Software Especializado que permite simular el funcionamiento del mismo, para ver si realmente se logra la funcionalidad deseada.

BISUTERIA HIPPIE

Bisutería

     Se denomina bisutería a la industria que produce objetos o materiales de adorno que imitan a la joyería pero que no están hechos de materiales preciosos.

Materiales

Ejemplo de bisutería.

     La bisutería suele usar materiales muy diversos, desde la porcelana hasta los alambres de latón, pasando por la pasta de papel o las perlas cultivadas. Los objetos confeccionados con metales o sus aleaciones suelen llevar un recubrimiento de material noble, como el oro, la plata, o el rodio. Dependiendo de la calidad del recubrimiento un adorno de bisutería fina, de este tipo, puede llegar a ser prácticamente indistinguible de una joya, lógicamente, para una persona no experta. Los metales preciosos suelen ser muy densos y por tanto las pequeñas piezas que se elaboran con ellos son, para su tamaño, bastante pesadas. Un buen sustituto, al menos en cuanto a densidad, suelen ser las aleaciones de plomo entre otros.

     En cadenas y colgantes se suele usar el latón chapado con capas de oro de entre 1 a 5 micras de grosor para evitar la formación de eccemas o alteraciones epidérmicas provocadas por reacciones de tipo alérgico.

Artesanía Hippie

Desde el nacimiento del movimiento hippie,

     Surgido en los años 60, la reinvención de esta moda ha sido constante. Basándose siempre en el colorido, los motivos florales y las vestimentas de otras culturas como la de los nativos americanos y las tribus de África, lo que ha derivado en uno de los estilos más peculiares y reconocibles de la historia de la moda.

     Cada temporada, vemos cómo renace esta tendencia con nuevas incorporaciones pero siempre con la estética colorista que la caracteriza. Pero no sólo la ropa era la seña de identidad hippie, sino también la bisutería que fue determinante en sus vestimentas ya que se trataba de grandes y llamativos collares y pendientes combinados con maxi anillos de colores.

     Al llevar un estilo de vida bohemio y ecologista, su bisutería era artesanal, por lo que es muy fácil de hacer y, además, cuenta con la originalidad de cada persona y la fidelidad a la estética de este movimiento.

ARTE CORPORAL

      El Arte Corporal es una de las expresiones más modernas que existe actualmente en la sociedad actual, esto generalmente se compone de diversas expresiones artísticas en el cuerpo humano como por ejemplo; pinturas, tatuajes, percings, en las cuales se aplican diferentes técnicas y conocimiento.

CRITERIO PERSONAL: el  Arte Corporal no todos lo aceptan en la sociedad, muchas personas lo ven como un pecado de vanidad. Yo en lo personal pienso, que plasmar en tu cuerpo es algo especial, pues tiene un significado personal para cada quien.

PINTAR CON ACUARELAS

      La técnica de la acuarela es de las pocas que no admiten prácticamente ningún error. Por ello, es fundamental tener planificado el dibujo en su totalidad y dejar para la imaginación y la espontaneidad lo menos posible. Se aconseja realizar bocetos de los tres principales planos, es decir: uno del fondo, otro del plano medio y otro del primer plano. A la hora de plasmarlos con la acuarela, hazlo de más lejos a más cerca para que no se desvirtúen los elementos. Por ejemplo, si quieres hacer una niña en un valle, es mejor que hagas primero el valle, dejes secar y pintes en el último momento a la niña. De esta forma evitarás que la niña salga borrosa tras pintar el fondo y la comodidad de no estar evitándola se notará en el resultado final. 

 MATERIALES BASICOS:

EL PAPEL: en la actualidad hay muchas marcas de papel que tienen productos especializados para la acuarela. Intenta, en la medida de lo posible, adaptar el material a tu objetivo final, sobre todo, en función del grano.

TABLERO: se recomiendo usar un tablero que permita tensar el papel para evitar arrugas cuando pintes.

PINCELES: lo básico es utilizar los pinceles en función del objetivo, lo más ajustados al tamaño de la mancha que quieras conseguir. Por ejemplo, para las manchas más amplias, los pinceles más gordos dejarían un dibujo más uniforme y preciso que los pinceles finos con los que tendrías que repetir el sello muchas más veces.

PALETA: generalmente, los profesionales no utilizan una paleta igual que la de cualquier otra técnica. Las paletas oscuras o con texturas no sirven tanto para la acuarela como para el óleo, por ejemplo. Es por eso que es aconsejable utilizar paletas blancas, de plástico o impermeables.

CÁMARA DE CROMOSATURACION- CARLOS CRUZ DIEZ

     La Cámara de cromosaturación constituye una de las obras más importantes del maestro Carlos Cruz-Diez. Fue instalada con carácter permanente en el Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, museo ubicado en la Avenida Bolívar, en Caracas, Venezuela. Siguiendo instrucciones precisas del artista, fue montada en 2004 con la idea de enriquecer el patrimonio nacional y dar la oportunidad a que el espectador viviece el color cuantas veces visite este museo. El maestro Carlos Cruz-Diez viene trabajando el concepto inicial de las Cámaras de cromosaturación desde 1965, razón por la que se señala este dato en la identificación de la pieza. Cuando Katherine Chacón, entonces Directora General de este museo solicitó al artista la instalación de esta pieza, lo hizo con la idea de que este espacio museístico tuviera la obra tal vez más importante y renovadora de Cruz-Diez. Una obra a la altura del nombre que lleva este museo. 

     Tomando como punto de partida la reacción del espectador frente a determinados estímulos perceptivos, Carlos Cruz-Diez concibió las Cámaras de cromosaturación. Se trata de espacios artificiales, diferenciados por cubículos o atmósferas cromáticas determinadas (azul, rojo, verde) que permiten vivenciar el color en su forma más primaria y esencial. 

     Para ello, Cruz-Diez llevó a la práctica un aspecto que ha sido recurrente en su reflexión plástica: trabajar el color -principal herramienta de un pintor- como espacio puro, y no como forma coloreada, ni sujeta a una composición pre-configurada, sino como luz. De allí que éste se nos manifieste, dentro de esta Cámara, en su condición inmaterial, sin soportes, como atmósfera pura, permitiendo que el espectador, al penetrar en él, encuentre su resonancia afectiva ante el color. Para Cruz-Diez el fenómeno cromático es una situación evolutiva en el espacio y en el tiempo por lo que siempre es inestable. Al eliminarse los soportes pictóricos y crearse el espacio-color, esta inestabilidad se activa ante el desplazamiento del espectador. El espacio vacío no tiene otra significación sino la presencia cromática en sí. El color se convierte entonces, desde el punto de vista vivencial, en un acontecimiento, en una situación en permanente transformación.

     En 1959 Carlos Cruz-Diez creó su primera atmósfera de color proveniente de la luz. Esta experiencia derivó en la primeraFisicromía, pieza bidimensional que revela diferentes comportamientos y condiciones del color ante el desplazamiento del espectador. Fue posteriormente, en 1965, luego de indagar más profundamente en las transformaciones cromáticas, que concibió las primeras Cámaras de cromosaturación, como parte de un proyecto no realizado llamado Cámara de descondicionamiento sensorial, el cual consistía en crear diversas cámaras sensoriales (sonoras, olfativas, táctiles, visuales, entre otras) por las que se agudizaría la capacidad perceptiva del espectador. Luego, en 1969, presentó en el marco del eventoL’art dans la rue su Cromosaturación y Paseo cromático para un lugar público a la salida del metro Odeon en el Boulervard de Saint-Germain en París, una de sus más importantes experiencias colectivas.

     La experiencia en el metro Odeon y otras realizadas posteriormente, permiten establecer dos tipos de Cámaras. Las primeras fueron concebidas como habitáculos de láminas de colores transparentes (plexiglás), cada una con un color diferente y permitían observar la realidad que nos rodea transformada por el color. En estas Cámaras el público observa tanto al mundo exterior teñido de color como a todo lo que se encuentre dentro de ese espacio y a sí mismo.

     A lo largo de los años, Carlos Cruz-Diez ha instalado diversas Cámaras de cromosaturación. Todas varían de acuerdo a las particularidades espaciales donde cada una de ellas es realizada. Las líneas, los ángulos o los relieves que derivan de los elementos estructurales que conforman ese espacio arquitectónico, enriquecen la experiencia perceptiva del color. El paso de un cubículo a otro, por otra parte, hace que un objeto cambie progresivamente de color con el desplazamiento del espectador. Cuando este objeto es colocado en un punto de transición entre dos ámbitos, derivan otras gamas insospechadas del espectro cromático. 

     De esta manera el color se presenta como una situación efímera, en permanente mutación. Señala el propio Cruz-Diez: Cuando yuxtapongo o superpongo dos o más módulos de acontecimiento cromático produciendo ángulos críticos de visión, lo hago porque de esta manera genero conductas cromáticas difíciles de percibir en condiciones "normales". La línea no es pues un "elemento estético" o "expresivo", sino el medio más eficaz que pude encontrar para multiplicar las zonas críticas de visión entre un plano de color y otro, con el fin de generar nuevas e inestables gamas de color. Esto no impide que el resultado sea un hecho expresivo, comunicativo y sensible.

CRITERIO PERSONAL:

   Sin duda, asistir al museo Carlos Cruz Diez y entrar a la cámara de cromosaturacion ha sido muy impresionante, ya que se puede sentir el color de la luz, en cada ambiente se puede sentir una emoción diferente, no se vive otra cosa que lo que refleja el color puro. No dudaría visitar nuevamente este museo, pues tambien se puede apreciar todas las Artes realizadas por Carlos Cruz Diez, donde en algunas refleja la sintesis aditiva y sustractiva.  

LA MUSICA

https://www.youtube.com/watch?v=06MZeCoN21k&ebc=ANyPxKr_y71r5MxG4jOvOYe7SxcIgh5hltLXWNwP6-bwAP2wlA4x2pZLl6xudBWLH1mouxwANC6Zdfcf356A3Lh3uNApg6Iz2w

La música es más fácil sentirla y reproducirla que explicarla o definirla, ya que es una de las expresiones más fabulosas del ser humano pues logra transmitir de manera inmediata diferentes sensaciones que otras formas de arte quizás no pueden. Podemos decir que la música es el arte que consiste en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído. Se afirma que la música cuenta con gran importancia para el ser humano ya que le permite expresar miedos, alegrías, tristezas, sentimientos muy profundos de diversos tipos. La música permite canalizar esos sentimientos y hacer que la persona aliviane sus penas o haga crecer su alegría dependiendo del caso. MUCHO MAS QUE UN ARTE: La música no sólo es un arte al que muchas personas recurren para llenar su vida de felicidad, también existen acciones terapéuticas que utilizan la música como elemento, la musicoterapia es una de ellas. Consiste en una aplicación científica del sonido, la música y el baile a través de un tratamiento que intenta integrar lo cognitivo, lo emocional y lo motriz, que libera los malos sentimientos y permite encontrarse con la energía propia de cada ser, ayudando a mejora la comunicación, la expresión individual y la integración social. La musicoterapia se utiliza en caso de enfermedad o disfuncionalidad física o social, para que un individuo se rehabilite y reeduque emocional, intelectual y motrizmente. Simplemente la música lo es todo, sea cual sea tu estado de animo ella sera tu mejor compañia. LO IMPORTANTE ES QUE LA MÚSICA SUENE MAS FUERTE QUE TUS PROBLEMAS. EL ARTE MAS DIRECTO ES LA MÚSICA, PORQUE ENTRA POR EL OÍDO Y LLEGA AL CORAZÓN.

ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto es un estilo artístico que surgio alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados. El arte abstracto es una de las formas más libres y hermosas de arte, que permite al ser humano conectarse con su parte interior más directamente debido a que no se ve forzado a representar algo que ya existe (como un paisaje o una persona) sino algo que surge pura y completamente de su interior. La importancia del arte abstracto justamente es permitir libertad al artista, conocerse mejor y abrir su mundo a que muchas miles de personas puedan conocerlo y sentirse interpeladas por él. Este tipo de dibujo entiende al artista como una persona creativa y capaz de inventar mundos que nadie más que ella puede conocer, a diferencia del arte académico que muchas veces entiende al artista como un reproductor de una realidad observable en diferentes soportes (pintura, escultura, etc.). En el caso del arte abstracto gana importancia la identidad, la creatividad, la individualidad, la historia y los deseos de quien lleva adelante la obra porque se trata de crear mundos nuevos en el que nadie conoce su verdadero significado. Muchas veces, ni siquiera los mismos artistas abstractos saben qué van a representar y se encuentran trabajando en sus obras meses y años hasta que quedan satisfechos con lo que logran ya que aquello que crean puede permanecer en constante cambio.

ARTE CALLEJERO

Los graffitis están vistos como un delito, están prohibidos ya que en la sociedad forma parte del bandalismo. No se puede negar que muchas de estas ilustraciones no son actas para ser exhibidas a todo publico y en ocasiones el lugar que eligen para plasmarlo no es que sea el mejor, a pesar de ello, realizar este tipo de dibujo es un verdadero ARTE. No toda persona tiene el talento para plasmarlo. Pienso que el Arte Callejero no debería considerarse como un delito, ya que es una forma de expresar la imaginación y creatividad de una persona, esto es libertad de expresión. Se considera Arte ya que va de la mano de un gran movimiento de pinturas y combinaciones extraordinarias que al verlo te lleva a otras dimensiones, realismo o fantasía.

MEZCLA DE PINTURAS

CRITERIO PERSONAL: Es sumamente difícil obtener el tono exacto que se busca para una pintura, es más conveniente y cómodo utilizar la pintura tal como se ha comprado pero en el caso de realizar una actividad donde requieren mezclar colores para obtener nuevos, ya no queda de otra, sino perder la cabeza con tantas pinturas juntas. Es muy importante tener en cuenta que el color que se obtenga de una mezcla de dos o más pinturas depende de la cantidad utilizada en cada combinación. Es decir, para lograr conseguir de nuevo el mismo tono las proporciones de pintura se deberán repetir de la misma manera y con exactitud. AUN ASÍ; ENAMORADA DEL ARTE.

DIBUJO ARQUITECTONICO

El dibujo arquitectónico es la representación gráfica de los espacios habitables, para así llevar a cabo un edificación, ya sean; casas, quintas, autopistas, iglesias, puentes, etc. La representación de este tipo de dibujo requiere de la aplicación del dibujo técnico. Se ilustra el proyecto con los instrumentos necesarios (regla T, escuadras, compás, escalimetro, etc), con sus respectivos detalles, ajuste y correcciones y así plasmar los planos de planta, fachadas, perspectivas, columnas y otros.

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Sin duda, los colores PRISMA-COLOR  es la mejor marca de colores que existe, son de muy buena calidad, permiten realizar trazos sin dejar espacios en blancos y son excelentes a la hora de unir el grafito para crear un color o tono diferente. Esto no quiere decir que las demás marcas no sean útiles, pues un buen dibujante  realizara arte con cualquier material que se lo proponga.